A propos d’Art contemporain et retour sur l’École de Paris. О современном искусстве и парижской школе.
A propos d’Art contemporain et retour sur l’École de Paris
Exposé de Jean-Luc TURLURE pour l’Université d’état de la République des Adyguéens à Maïkop
Le terme « Art contemporain » représente dans notre imagination un art très en avance, la nouveauté, l’actualité. Ce terme est impropre car j’estime que nous sommes tous de notre Temps, donc nous sommes tous contemporains.
D’autre part, dire de quelqu’un : c’est un peintre contemporain, cela ne dit absolument rien de sa peinture. Elle est abstraite ou figurative, talentueuse ou non ? On n’en sait rien ! On sait simplement qu’elle a été peinte ces dernières années ou ces dernières décennies.
Depuis plus de 60 ans, les moyens d’expression se multiplient. Outre le dessin, les arts graphiques, la peinture et la sculpture, ce sont des graffitis sur les murs des villes, des performances, des installations…
De plus, à l’ère d’Internet et du numérique, nombre d’artistes font de la Création Assistée par Ordinateur et de la vidéo. L’image circule à travers le monde, les styles se confondent, les identités se volatilisent.
Un style marque l’histoire de l’art. Une mode se démode et passe dans l’oubli.
Les avant-gardes font moins rêver aujourd’hui, on s’attache surtout au succès médiatique ou financier immédiat.
D’ailleurs nous assistons actuellement à des spéculations hasardeuses sur des individus qui présentent des œuvres que j’appellerai « gadget », art publicitaire ou système de mode.
L’élite intellectuelle nous impose des artistes comme : Jeff KOONS, Damien HIRST, Wim DELVOYE, Haruki MURAKAMI… Une imposture ! Ces artistes font fabriquer en nombre des objets par des centaines d’ouvriers. Ce ne sont que des opérations marketing et spéculatrices qui faussent l’esprit de l’amateur d’art.
Les artistes chinois et indiens apparaissent et disparaissent aussi vite du marché. En ce qui concerne les artistes russes et le marché russe sur la place internationale, veuillez vous reporter au document annexe que je présente ici.
Aujourd’hui nous avons des artistes de toutes tendances de tous les styles, de différents mouvements et Ecoles. Un document annexe liste les principaux mouvements et écoles ayant existés au vingtième siècle jusqu’à aujourd’hui. Bien peu de ces artistes marqueront l’histoire de l’Art.
Le meilleur exemple pour moi de ce foisonnement créatif est l’École de Paris. Permettez moi ce retour en arrière car l’École de Paris fait référence à des artistes qui ont marqués notre histoire de l’art, de plus elle est remarquable par sa diversité et son invention.
Le terme École de Paris ne fait référence à aucun style, ni à aucune école ayant véritablement existé ; l’expression « École de Paris » reste donc ambiguë et mérite d'être explicitée. L’École de Paris retrace le développement de l’art moderne de la part d’artistes ayant eu Paris pour résidence entre les deux guerres mondiales et contribue à faire de Paris le foyer de la création artistique jusque dans les années 1960.
On distingue généralement trois grandes périodes de mutation dans le paysage artistique parisien au XXe siècle, chacune étant la manifestation d’un renouveau de la précédente. Cela est dû essentiellement aux conflits mondiaux.
- La première période va de 1900 aux années 1920,
- la seconde couvre l’entre-deux-guerres
- la dernière désigne l’après Seconde Guerre mondiale.
Je vais vous parler surtout de la première période 1900-1920 qui est pour moi la plus riche
L’École de Paris désigne l'ensemble des artistes étrangers arrivés au début du XXe siècle dans la capitale à la recherche de conditions favorables à leur art.
Au début du vingtième siècle, les jeunes peintres ne vont plus travailler à la campagne autour de Paris comme le faisaient précédemment les impressionnistes. De plus, de 1900 à la Première Guerre mondiale, Paris a vu l’arrivée d'artistes, souvent d'Europe centrale, qui se fixent essentiellement dans le quartier de Montparnasse.
Parmi eux Marc Chagall, Pablo Picasso, Pascin et Amadeo Modigliani pour ne citer que les plus célèbres. L'expression « École de Paris » a donc acquis, à ce moment-là, un sens propre et communément admis.
Ces artistes viennent de l’Europe de l’est : Russie, Pologne, Allemagne, Bulgarie, Tchécoslovaquie, Roumanie, Hongrie.
Ils ont été familiarisés avec les grands maîtres français du XIXe siècle et connaissent les impressionnistes par l’intermédiaire de leurs professeurs. La guerre de 1914-1918 aura tôt fait de les disperser, certains artistes repartent dans leur pays d’origine. Marc Chagall, Mané-Katz, Schleifer retournent en Russie.
Nombreux se portent volontaires dans l'armée française. Pendant les années de guerre, les artistes restés à Paris sans pension ni aide se solidarisent.
À partir de 1915, Marie Vassilieff tiendra une cantine artistique dans son atelier situé dans l'impasse du 21 avenue du Maine, qui ne désemplit pas durant toute la guerre. On y parle toutes les langues.
La Première Guerre mondiale marque l'entrée des peintres de Montparnasse sur la scène parisienne. Pour la première fois, en 1915 une exposition présente des tableaux de Modigliani, Kisling qui voisinent avec des peintures de Picasso, Fernand Léger, Henri Matisse, André Derain…
Ils seront plus de cinq cents peintres dans le Paris de l'entre-deux-guerres, formant un réseau d'amitié et, de proche en proche, se connaissant tous. À Montparnasse, pendant 20 ans, sous le manteau ou sous les tables des terrasses des bistrots de La Rotonde, du Dôme, de la Coupole, des trafiquants achètent et vendent des tableaux de Derain, des tableaux d'Utrillo, des tableaux de Modigliani ou de Picasso échappés par miracle du carton des peintres.
Ainsi Montparnasse remplace Montmartre
et La Ruche prend le pas sur l’atelier du Bateau-lavoir.
Mon atelier se trouve pas très loin du quartier Montparnasse et tout près de la Ruche. Qu’est ce que la Ruche ? Un pavillon de forme octogonale d’environ 5 000 m2. S'élevant sur trois étages, il est composé de nombreux petits ateliers d'une dizaine de mètres carrés occupés par des artistes.
Derrière une grande grille en fer à moitié dissimulée sous le lierre se dresse cet espace de verdure en plein Paris. La Ruche est au centre. C’est l'un des plus importants centres artistiques du XXe siècle.
Créé pour aider de jeunes artistes sans ressources, il a accueilli de grands artistes : Modigliani, Soutine, Brancusi, Léger, Marie Laurencin, Kikoine... et surtout Chagall, l'un des locataires les plus illustres.
Aujourd'hui, la Ruche compte une soixantaine d'ateliers de toutes tailles, où résident encore de nombreux artistes, tous locataires et qui, pour la plupart, y restent pour toute leur vie.
L'Entre-deux-guerres connaît l'arrivée d'autres artistes russes et voit l'émergence de nouvelles tendances stylistiques, telle l'abstraction, le dadaïsme, l’avant-garde surréaliste, mais aussi un changement important de la couleur en peinture. Le premier conflit mondial a bouleversé beaucoup de choses. Les américains viennent aussi en France, importent le jazz et leur façon de vivre. Paris est le centre des Arts, dans tous les domaines de la création : les arts visuels, l’écriture, le théâtre, la danse, le chant… On s’amuse beaucoup, les artistes organisent et improvisent des soirées. Ce sont les années folles. 11
Le krach de 1929 à Wall Street annonce la fin de cette période d'insouciance[
Pendant la Seconde Guerre mondiale, la période d’occupation allemande, des artistes font de la résistance en présentant des œuvres abstraites, c’est à dire non conformes à l'idéologie nazie. On les désigne comme membres d’une Nouvelle École de Paris.
Après-guerre, une rivalité s’installe entre l’Ecole de Paris et New-York car nombre d’artistes se sont réfugiés à New-York pendant la seconde guerre mondiale.
La « jeune peinture » de l'École de Paris est créée juste après la guerre 39-45, le salon de la « jeune peinture » rassemble les peintres nés pendant ou peu après le premier conflit mondial. Ce Salon existe toujours et j’y ai participé plusieurs fois.
Voilà !
En quelques mots, je vous ai présenté l’Ecole de Paris par le biais de l’Art contemporain
Mais vous avez certainement des commentaires ou des questions à me poser et je m’efforcerais d’y répondre au mieux !
Je vous remercie.
О современном искусстве и парижской школе.
Под термином «современное» в выражении «современное искусство» мы понимаем передовое, прогрессивное искусство, новизну, актуальность. В этом смысле термин не подходит так как я полагаю, что мы все представители нашего времени, мы все современники.
С другой стороны, сказать о ком-то, что он – современный художник, не означает дать характеристику его живописи. Она абстрактная или символическая, талантливая или нет? Мы ничего о ней не знаем! Мы можем только сказать, что произведение было создано в последние годы или последние десятилетия.
Начиная с 40х годов XX века, постоянно появляются новые способы выражения. Помимо рисунка, графики, живописи и скульптуры, это и граффити на стенах городов, и перфомансы, и инсталляции…
К тому же, в эпоху интернета и цифровых технологий, многие художники создают свои произведения, используя компьютер и видео. Картинка распространяется по всему миру, стили смешиваются, самобытность исчезает.
Любой стиль оставляет свой след в истории искусств. Мода устаревает и уходит в прошлое.
Сегодня мечта быть в авангарде не так популярна, важен медийный успех и немедленный доход.
Впрочем, в настоящее время мы являемся свидетелями рискованных спекуляций на имени художников, которые представляют рекламное искусство или мир моды, произведения, которые я назову «гаджет».
Интеллектуальная элита нам навязывает таких художников как Джефф Кунс, Дэмиен Хёрст, Вин Дельвой, Харуки Мураками… Это всё обман! На этих художников работают сотни рабочих, производящих предметы, объекты в большом количестве. Это ничто более чем маркетинговый ход, искажающий сознание истинного ценителя искусства.
Китайские и индийские художники появляются и также быстро исчезают с рынка. Что касается русских художников и русского рынка на международной арене, обратитесь к документам, которые представлены в приложении.
Сегодня существуют художники всех направлений всех стилей, различных течений и школ. Главные течения и школы, появившиеся в XX веке и дошедшие до сегодняшних дней, представлены в приложении. Но немногие из этих художников оставят свой след в истории искусств.
Для меня лучшим примером, из всего этого творческого изобилия, является Парижская школа. Позвольте мне вернуться немного назад, так как Парижская школа связана с именами художников, которые внесли свой вклад с нашу историю искусств и, к тому же, Парижская школа примечательна своим разнообразием и своей изобретательностью.
Термин «Парижская школа» не связан ни с каким стилем, ни с какой-либо школой, существовавшей в действительности; таким образом, выражение «Парижская школа» остаётся неясным и требует разъяснений. Парижская школа воссоздаёт развитие современного искусства через творчество художников, выбравших Париж своим постоянным местом жительства в период между двумя мировыми войнами и способствовавших тому, чтобы сделать Париж центром художественного творчества вплоть до 60х годов XX века.
Как правило, выделяют три больших периода в изменениях парижской художественной жизни в XX веке, каждый из которых явился обновлением предыдущего. Они, как правило, связаны с мировыми конфликтами.
- первый период: 1900-1920
- второй охватывает период между двумя войнами
- третий начинается после второй мировой войны.
Я расскажу, в частности, о первом периоде 1900-1920, который для меня является самым ценным.
Парижская школа объединяет всех иностранных художников, приехавших в столицу в начале XX века в поисках благоприятных условий для их творчества.
В начале XX века молодые художники больше не ездят на пленер в предместья Парижа как это делали до них импрессионисты. К тому же, начиная с 1900 года и до первой мировой войны, в Париж приехало много художников, особенно из Центральной Европы, которые, в основном, останавливались в квартале Монпарнас.
Среди них Марк Шагал, Пабло Пикассо, Паскин и Амадео Мадильяни и др. Именно в этот период выражение «Парижская школа» приобретает тот смысл, который впоследствии станет общепринятым.
Эти художники приезжают из Восточной Европы: России, Польши, Германии, Болгарии, Чехословакии, Румынии, Венгрии. Они знакомятся с творчеством французских мастеров XIX века, а учителя знакомят их с импрессионизмом. Война 1914-1918 годов разбросала их, некоторые вернулись к себе на родину. В Россию вернулись Марк Шагал, Мане-Кац, Шлейфер.
Многие добровольно записываются во французскую армию. Во время войны, художники, оставшиеся в Париже без помощи и пансиона, объединяются.
Начиная с 1915, Мария Васильева содержит, не пустующую в течение всей войны, артистическую столовую в своей мастерской, находящейся по адресу: авеню Мен, 21. Здесь говорят на всех языках.
Первая мировая война обозначает выход художников Монпарнаса на парижскую сцену. В 1915 году впервые были выставлены работы Модильяни, Кислинга, которые соседствовали с полотнами Пикассо, Фернана Леже, Анри Матисса, Андре Дерена…
В период между двумя войнами, в Париже проживало более пятисот художников, которые образовали, своего рода, дружескую сеть, постепенно познакомившись друг с другом. В квартале Монпарнас в течение 20 лет спекулянты тайно покупали и продавали картины Дерена, Утрилло, Модильяни или Пикассо, которые непонятным образом исчезали из мастерских художников.
Артистическая жизнь перемещается с Монпарнаса на Монмартр и мастерские Ля Рюш (Улей) приходят на смену Бато-Лавуар.
Моя мастерская находится недалеко от квартала Монпарнас и совсем рядом с Ля Рюш. Что такое Ля Рюш? Трёхэтажный особняк восьмиугольной формы площадью примерно 5000м2. Он состоит из большого количества маленьких, площадью 10м, мастерских, занятых художниками.
За большой железной решёткой, наполовину скрытой плющом, в самом сердце Парижа возникает небольшой парк. Ля Рюш в центре. Это один из самых значимых художественных центров XX века, созданный, чтобы помочь молодым художникам, не имеющих денег. Ля Рюш принимал таких художников как Модильяни, Сутин, Бранкузи, Леже, Мари Лорансен, Кикоина… и Шагала, одного из самых выдающихся своих жильцов.
Сегодня Ля Рюш насчитывает около шестидесяти мастерских разных размеров, где живёт много художников, которые остаются здесь, в большинстве случаев, на всю жизнь.
Период между войнами ознаменован приездом других русских художников и возникновением новых стилистических тенденций, таких как абстракция, дадаизм, сюрреалистический авангардизм, но также важным изменением роли цвета в живописи. Первая мировая война изменила многие вещи. Американцы тоже приезжают в Париж и привозят с собой джаз и свой образ жизни. Париж – центр всех искусств: изобразительное искусство, литература, театр, танец, песня…Художники устраивают вечера, веселятся, гуляют. Это – безумные годы.
Кризис 1929 года закрывает этот период беззаботности.
Во время второй мировой войны, период немецкой оккупации, художники, представляя абстрактные произведения, не соответствующие нацистской идеологии, оказывали сопротивление врагу. Этих художников называют представителями Новой Парижской школы.
После войны начинается соперничество Парижской школы и Нью-Йорка, так как многие художники уехали в Нью-Йорк во время войны.
«Молодая живопись» Парижской школы создана сразу после войны, салон «Молодой живописи» объединяет художников, рождённых во время или немногим после окончания первой мировой войны. Этот салон до сих пор существует и я много раз принимал в нём участие.
Вот так, в нескольких словах, через современное искусство я вам представил Парижскую школу.
У вас, конечно, есть комментарии или вопросы. Вы можете мне их задать и я постараюсь на них ответить.
Спасибо.
Commentaires
Enregistrer un commentaire